Blogia

Febrero Loco

¿No quieres caldo? Pues toma, dos tazas.

¿No quieres caldo? Pues toma, dos tazas.

双生

Desde el año 2004 todos los 2 de octubre se celebra en Beijing 北京 un Festival Cultural de Gemelos. El primer festival contó con la participación de más de 500 parejas de gemelos, este año han participado más de 650 parejas de todo el mundo. Este Festival Cultural de Gemelos es ya la alfombra roja en Beijing del Día Nacional Chino. En chino, Dia Nacional se dice Guo Qing 国庆 y es una fiesta muy importante para los chinos, de hecho 6.589 pekineses se llaman Guo Qing 国庆 y unos 400.000 chinos en total han adquirido este nombre de pila.

Bueno, parejas y parejas de gemelos de todas las edades pasearon por la alfombra roja. El acto se celebró en la parte este de Beijing, en el parque Honglingjin. No sólo pasean por la alfombra los gemelos, también bailan, cantan, actúan y realizan artes marciales y, este año, también, en homenaje a los próximos Juegos Olímpicos han celebrado una carrera de relevos.

En China tradicionalmente se prefiere lo doble a lo sencillo, en las bodas se desea “doble felicidad” y consideran a los gemelos como signo de buena suerte, y si son de diferente sexo, “dragón y fénix”, la máxima prosperidad.

¿Gemelos o mellizos? Siempre hay polémica con el significado de estas palabras, pues bien son sinónimas y, es más, del mismo origen latino gemellus. Pues si, mellizo viene de gemellicium, pasa a emellizo y de ahí a mellizo. Gemelo es más culto y mellizo es una acepción más popular pero ambas significan lo mismo. “Ya, pero los hay que se parecen y los hay que no se parecen, entonces ¿como se llaman?”. Pues, eso depende de si son monocigóticos, por lo que se parecen, o dicigóticos o policigóticos, que no se parecen. Vaya que lo mejor es decir que "son clavaos”, que es lo que acabamos diciendo tras la pequeña discusión sobre el tema.

Pero hay otro más ¿quien es el mayor? pues el mayor es el primero en nacer, menos mal que ahora te ponen la etiqueta con tu nombre y la hora en el tobillo, porque si no como son iguales ¡¿cómo lo sabes?! en cuanto te despistes un momento se fastidió la carta natal.

Bueno, ¿pero entonces qué son los siameses?. Los siameses son gemelos pero que siguen unidos después de nacer. Hoy en día se llevan a cabo operaciones muy delicadas para separarlos y con bastante éxito pero antiguamente la salvación frente al rechazo social podía ser el circo. De hecho la definición de Siameses viene de Chang y Eng Búnker que nacieron en Siam en 1811 y luego se trasladaron a Estados Unidos donde trabajaron en el Circo P.T.Barnum con el nombre de "Siamese Twins". Fueron grandes artistas circenses dominaban las acrobacias, la magia e incluso los payasos. Chang y Eng tuvieron mucha suerte en su profesión y pudieron vivir de forma desahogada, incluso se casaron y uno tuvo 10 y el otro 12 hijos. Todo fue bien en su vida hasta los 60 años que comenzaron a surgir problemas y decidieron buscar la posibilidad de separarse pero en aquella época no había Rayos X y por muchos médicos que consultaron no había solución a su problema salvo corriendo un enorme riesgo. Desgraciadamente Chang empezó a beber y perdía el control, una verdadera tragedia y, además, sufrió un derrame cerebral.

En 1874 a los 63 años Chang murió de neumonía, Eng se despertó una noche y vio que no respiraba, llamó al médico pero cuando este llegó Eng ya había fallecido. En los resultados de la autopsia se dice que Chang murió de un aneurisma y Eng de miedo. También se vio que estaban unidos por el hígado.

Pues, ¡eso es todo amigos!. ¡Suerte y prosperidad!.

 

 

Si quieres ver y saber más de los "Siamese Twins":

http://engandchang.twinstuff.com/

********** Estrella fugaz *******

**********  Estrella fugaz  *******

 

 

Aún es pronto, demasiado pronto para el ojo

pero tarde, muy tarde ya para el pensamiento

si veloz ilumina

esta árida extensión de la noche,

este manso terreno donde el girasol

se despereza, se astilla, se equivoca.

.

 

Abraham Gragera

Paul Signac (1863-1935)

Paul Signac (1863-1935)

“El tiempo de la anarquía” de Paul Signac
 

Así llamó Paul Signac a esta obra, pero se vio obligado a cambiarle el nombre, pues resultaba muy provocativo, así que pasó a llamarse “El tiempo de la armonía”.

Paul Signac, nació en París, fue un 11 de noviembre de 1863, también nos dejó en París, un verano, el 15 de agosto de 1935. Vivió 77 años y fue de los primeros pintores neo impresionistas, divisionistas o puntillistas, tres nombres para una misma técnica; también, fue un impulsor y un gran rebelde. Paul amaba el arte, los viajes, la literatura, la ciencia, la política… todo.

Cuando tenía 15 años, visitó la V Exposición Impresionista y se puso a realizar unos bocetos sobre la obra de Degas; hasta que Gauguin vio sus bocetos e indignado le expulsó de la exposición gritando “¡aquí no se copia!”. Pero Paul siguió su estudio del impresionismo y en 1882 entró en la Escuela de Artes Decorativas y asistió a un "taller libre" de Bin, pintor de gran renombre en la época. En las primeras obras de Paul se veía una clara influencia de artistas como Pisarro, Renoir y Monet, pintores que curiosamente aún no había conocido.

Fue un gran amigo de Georges Seurat, entre los dos desarrollaron “el puntillismo" que consistía en pintar con pequeñas pinceladas de colores puros, que unos junto a otros se potenciaban y ofrecían una luz y un efecto realmente espectacular. Paul dejo una explicación detallada de la técnica en su libro: "De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo", una especie de manifiesto que escribió en 1899, donde desarrollada su teoría sobre las últimas investigaciones de la época sobre el color y la refracción prismática de la luz. Paul Signac consideraba a Delacroix, el célebre pintor de "La libertad guiando al pueblo", el auténtico precursor del divisionismo. Signac explicaba, que él y Seurat usaban puntos de color puro y que estos se mezclaban en el ojo del espectador.

"Dos colores opuestos colocados uno junto al otro modifican la percepción de su verdadero color".

Paul era rebelde, inquieto y, claro está, autodidacta. Se adentró en el mundo de la pintura estudiando detenidamente a Claude Monet y a otros impresionistas pero fue tras su encuentro con Seurat cuando ambos profundizan y luchan por el Neo impresionismo. La Academia de Bellas Artes rechazaba sus obras, así que decidieron fundar, en 1884, la Sociedad de Artistas Independientes, donde no solo exponían sus propias obras si no que dejaban exponer a otros pintores independientes.

Camille Pissarro, pintor impresionista, le dijo un día: "Todo el peso del neoimpresionismo recae sobre usted! (...). A Seurat no lo atacan porque siempre guarda silencio; a mí me desdeñan como se hace con los viejos chochos, pero siempre van a por usted porque es beligerante". Este paso dado por Pissarro fue la causa de que los jóvenes divisionistas pudieran exponer sus obras en la última Exposición Impresionista, en 1886. La participación de Signac provocó un gran escándalo y rechazo, tanto de los críticos como del público, que aún no habían digerido del todo el Impresionismo. Opinaban que eso no era arte si no pura técnica de virtuosismo. Pero este recibimiento tan hostil sirvió para unificar a una nueva generación de artistas, como los que en Bélgica se reunieron bajo el nombre de Los XX, grupo del que Signac fue miembro.

Así pues, fue Signac una figura clave en el desarrollo y aceptación de la técnica divisionista, hecho que molestó a Seurat y provocó un alejamiento entre ambos pintores. A pesar de ello Signac siempre manifestó su admiración por Seurat y su temprana muerte le sumió en un estado de profunda tristeza.

Pero Paul, también, era un marino, amante del mar y de los barcos, de hecho, gran parte de su vida la pasó viviendo en un barco, llegó a tener hasta 30 barcos, uno de ellos, lo bautizó Olympia en homenaje a un cuadro de Manet. Realizó innumerables viajes: Constantinopla, Venecía, ... todos los puertos del Mediterráneo y, también, descubrió Saint- Tropez, un tranquilo pueblecito de pescadores, donde se compró una casa en 1893. Fue en Saint-Tropez donde enamorado de su especial luz realizó innumerables acuarelas. En 1927 publico "Jongkind" un libro sobre la acuarela, todo un tratado sobre Johan Barthold Jongkind, que fue uno de los precursores del impresionismo pero sobre todo un gran acuarelista, inconfundibles sus paisajes nocturnos con luz de luna y su trato del color y la luz.

Paul Signac fue rebelde y combativo hasta la muerte, fue partidario de Dreyfus, en la injusta acusación de espionaje que se le hizo a este oficial, por el hecho de ser judio, recordado como “el caso Dreyfus” que fue motivo de enfrentamientos entre la opinión pública francesa de fin de siglo y posiblemente el germén del futuro antisemitismo. Signac, también, fue pacifista durante la Primera Guerra Mundial y participó con Andre Gide en el comité de intelectuales antifascistas.

Paul Signac ejerció la presidencia de la Sociedad de los Independientes hasta su muerte en 1935.

Paul Signac marcó una fuerte influencia en Matisse y en todo el fauvismo y el futurismo.

Un vistasillo a la obra de Paul Signac:

http://www.postershop-espana.com/Signac-Paul-p.html

Puntillismo con pins, de Takeda:

http://takeda.cooh3.com/works/seurat/seurat.htm

Divisionismo con botes, de Chris Jordan:

http://hopeeternal.wordpress.com/2007/07/08/chris-jordan-cans-seurat-2007-georges-seurat-sunday-afternoon-at-the-grande-jatte/

 

Jongkind, el acuarelista: para muestra un botón.

http://72.5.117.144/fif=fpx/sc1/SC136006.fpx&obj=iip,1.0&wid=400&cvt=jpeg

 

Eugène Delacroix: "La libertad guiando al pueblo" 1830.
http://www.abcgallery.com/D/delacroix/delacroix10.JPG

 

 

Observar el parecido y las diferencias del cuadro de arriba de Signac con Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte, de Seurat, apostaría que que el que está tumbado en primer plano con manga corta es Signac:

http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/seurat/grande-jatte/seurat.grande-jatte.jpg

月下獨酌 - Bebiendo solo bajo la luna -- 李白 - Li Bai

月下獨酌 - Bebiendo solo bajo la luna -- 李白 - Li Bai

月下獨酌

李白

花間一壺酒,獨酌無相親。舉杯邀明月,對影成三人。
月既不解飲,影徒隨我身,暫伴月將影,行樂需及春。
我歌月徘徊,我舞影零亂,醒時同交歡,醉後各分散。
永結無情遊,相期邈雲漢。

 

Bebiendo solo bajo la luna

Li Bai 

Entre las flores una jarra de vino.

Bebo solo sin compañía alguna.

Alzo el vaso, invito a la luna clara.

Junto con mi sombra, ya somos tres.

Pero la luna no es capaz de beber

y mi sombra sólo de seguirme.

Compañeras fugaces la luna y la sombra,

disfrutad mientras sea primavera.

Cuando canto, la luna se pasea;

cuando bailo, mi sombra se alborota.

Yo sereno, nos divertimos juntos;

ya borracho, cada cual a lo suyo.

Mis eternas amigas insensibles

os cito en el Río de las Nubes.

 

Henriette Théodora Markovich - Dora Maar (1907-1997)

Henriette Théodora Markovich - Dora Maar (1907-1997)

Autorretrato en 1935


Henriette Théodora Markovich
, más conocida como Dora Maar, nació en 1907 en Tours y nos dejó en 1997 en París. Henriette era hija de un arquitecto croata de Zagreb y una francesa. Vivió y estudió en Buenos Aires hasta los 19 años que se trasladó a París.

En 1925 comenzó a estudiar en la Academia Julian de tendencia liberal y que permitía a sus alumnos pintar el cuerpo humano sobre modelos desnudos. También, comenzó a trabajar en el taller del pintor André Lhote, que le presentó a Cartier-Bresson, el que le sugiere acortar su nombre, de ahí nació Dora Maar.

Dora se lanza a plasmar con su Rollei todo aquello que la rodea, viaja, e inquieta, no para, pero a principio de los años 30 decide asentarse y crear su propio estudio junto con Pierre Kefér, fotógrafo que había trabajado con Luis Buñuel. El casero del local era un fotógrafo de moda y Dora le ayuda en el retoque de las fotos. Maar-Kefér trabajan juntos dentro del mundo de la publicidad para revistas prestigiosas como Madame Figaro, consiguiendo un notable éxito profesional en el campo de la moda.

En el estudio conoce a un joven de origen húngaro, Brassaï, que la introdujo en el mundo intelectual, de artistas como Paul Eluard, George Bataille, André Breton, André Masson, Lacan, Picasso,… todos los grandes fotógrafos y artistas de la época, era el Paris de los años 20-30.

Dora, mujer, no solo hermosa si no también inteligente y sensible fue inmediatamente muy valorada en estos círculos artísticos. Se sintió muy atraída por el surrealismo y adquirió un fuerte compromiso político declarándose de izquierdas. Firmó manifiestos, y formó parte de colectivos como Octubre o Mases, en este último, de extrema izquierda, también militaba George Bataille, con el que inició una estrecha relación. Brassai decía de Bataille que era “un descendiente del Marqués de Sade”, esas apreciaciones y las fotos de desnudos de Dora los convirtieron en centro de comentarios jocosos y chismes de líos eróticos.

Bataille, le presentó a Andre Breton y Dora entró a formar parte del grupo surrealista. Fue un personaje dentro del mundo nocturno e intelectual parisien, lúcida y tremendamente provocativa. Roland Penrose dijo de ella: "Su diálogo rápido y desenvuelto y su voz grave eran expresión directa de carácter e inteligencia"; André Breton le dedicó la edición original de su segundo Maniesfiesto del Surrealismo con estas palabras: “A toi dans l'Amour où il n'y a plus ni nuit ni tour”; inspiró a George Braque y a Man Ray; su “Retrato de Ubu” se convirtió en un icono del movimiento surrealista, que hacía referencia al Ubu de Alfred Jarry; también, fotografió desnuda a Assia una hermosa modelo adorada por todos los surrealistas.

En 1934, Dora visitó España, estuvo en la Costa Brava y en Barcelona, ciudad que le fascinó y que la inició en la fotografía social, mostrando la pobreza y la desesperación de las zonas más desfavorecidas. A su vuelta a París, Dora se movía entre los ambientes intelectuales y, cargada con su Rollei, por el mundo de las calles de los suburbios de la gran capital, entre sus niños, tullidos, ciegos, vendedores ambulantes, marginados de la “Ciudad de la Luz”, que captaba desde el naturalismo; mientras que en el otro lado, ese lado de los intelectuales, introdujo en sus fotografías aspectos surrealistas y técnicas innovadoras, como solarizaciones, exposiciones en negativo, montajes y retoques sobre planchas o positivados, collages, fotomontajes y sobreimpresiones.

En enero de 1936, Dora Maar, estaba sentada en el Café de les Deux-Magots, en 6 place Saint Germain des Prés, meláncolica e instrospectiva, algo inherente a su carácter. Llevaba los guantes negros con flores bordadas pues sus manos tenían tendencia a estar frías, en su mano tenía una navaja y en su abstracción golpeaba rítmicamente la mesa con su filo. Pablo Picasso, estaba sentado en la mesa de enfrente con su secretario Jaime Sabartés y con Paul Eluard, la miraba con curiosidad y se sintió atraído por ella, por sus gestos, por su diferencia,…. Dora golpeaba la mesa rítmicamente y con precisión con la navaja, pero algo le hizo perder la concentración y la navaja dió sobre su dedo, la sangré brotó de él empapando el guante del color púrpura, después el mantel, pero Dora no cambió su actitud. Pablo fue atrapado completamente por esa mujer misteriosa y de gran fuerza interior. Paul Eluard los presentó y Picasso se dirigió a Dora Maar, en francés, pidiéndole el guante para incluirlo en su obra, también le dijo que quería hacerle un retrato. Dora lo miró con calma y le dijo en castellano “¿y quién le hará un retrato a usted, Picasso?” y le extendió una tarjeta en la que ponía “Dora Maar – Fotógrafa”.

Ahí, empezó todo, Pablo escuchó su lengua natal en esa dulce voz gutural, en esa mujer misteriosa y sorprendente y no sólo le haría un retrato, si no varios óleos, dibujos, poemas e incluso compartiría una parte muy importante de su vida con ella pues vivieron juntos siete años muy intensos.

Picasso dijo de ella: "Era cualquier cosa que quisieras: un perro, un ratón, un pájaro, una idea, una tormenta. Eso es una gran ventaja cuando te enamoras". También le escribió un poema: "Sus grandes muslos.../ sus caderas / sus nalgas /sus brazos /sus manos / sus ojos / sus mejillas / su pelo / su nariz / sus cuello / sus lágrimas.... Dora, a su vez, le hizo sus mejores fotografías. En su primera sesión disparó 25 negativos, las primeras en su estudio, con abrigo y bufanda, fotografías que no llegó a positivar y que hace poco salieron a la luz. Años más tarde, también, plasmaría todo el proceso de elaboración del Guernica. Obra que les nació de la terrible noticia de los bombardeos en la España de Pablo, los bombardeos de los aviones nazis sobre la población vasca de Guernica, que cayeron sobre la población civil provocando una terrible matanza y dieron imágenes realmente espantosas que conmovieron a todo el mundo. Dora y Pablo decidieron buscar un estudio mayor en la Rue des Grands Augustins y ante la tristeza, el horror y la impotencia surgió “El Guernica”, donde esa mujer que llora y sostiene una lámpara en las manos es la propia Dora. “El Guernica” se expuso en el Pabellón de España de la Feria Mundial de París en julio de 1937, al tiempo en la revista Cahiers d’Art se publicaron las fotos que Dora había estado haciendo del proceso de su creación.

Dora Maar y Pablo Picasso vivieron juntos momentos terribles y difíciles, también, la ocupación nazi de París, el racionamiento y una inquietud por las posibles represalias políticas… Dora y Pablo sufrieron juntos esa enorme tensión y el terrible hecho de ver que sus amigos judios fueron llevados a una muerte terrible en los campos de concentración. Toda está situación de miedo, terror, impotencia afectó profundamente en sus vidas y en su relación. Picasso se encerró en su estudio y trabajaba con el poco material de que disponía, aprovechando telas, periodicos,…. escribió un pequeño haiku en una caja de cerillas, que refleja ese momento: - Il faisait tellement noir a midi qu'on oyait les etoiles (Estaba tan oscuro que al mediodía uno veía las estrellas). Sufrieron el acoso de las fuerzas nazis de ocupación, un día le preguntaron a Picasso sobre el Guernica “¿Esa obra la ha hecho usted?”, Picasso respondió “No, ustedes”.

En esos momentos terribles Dora entró en una gran depresión y fue internada en un psiquiatrico, hay quien dice que fue el propio Jacques Lacan quien la trató y le dio un tratamiento con electroshock. Picasso dijo: "La dejé por miedo. Dora ya estaba loca mucho antes de que enloqueciera de verdad". La pareja se separó en 1945.

Cuando Dora se recuperó entró en una fase mística y comenzó a pintar pero ya no hacía vida social. Dora dejó dijo: "Yo no fuí la amante de Picasso; él sólo fué mi amo".

“El 16 de julio de 1997, un hospital-asilo de París, el Hôtel-Dieu, comunicó el fallecimiento de una interna de 89 años, Theodora Markovic, nacida en Tours el 22 de diciembre de 1907. En su ficha no estaba registrado ningún familiar a quien avisar de su muerte. En la región parisiense de Clamart, los pocos amigos que aún frecuentaban a Markovic en sus últimos años de quebrantada salud organizaron su sepelio en la más estricta intimidad.”

Una pequeña muestra de su obra:

http://laetibule.noosblog.fr/photos/dora_maar/doramaar.html

http://www.marvelligallery.com/Dora23.html

La obra que dejó Dora de Picasso:

http://whom.co.uk/dora/doramaar.htm

Pincha Artworks y podrás ver toda la obra de Picasso por años:

http://picasso.tamu.edu/picasso/

 

Can Xue 残雪 escritora china

Can Xue 残雪 escritora china

Can Xue 残雪 nació en 1953 en Changsha, población china perteneciente a la provincia de Hunan; su nombre oficial es Deng Xiaohua 邓小华. Can Xue 残雪, su seudónimo, significa “nieve que no llega a derretirse” o “nieve sucia”. Can Xue es una escritora que sorprende y no sólo en China, pues su estilo es realmente original e impactante, dificil de clasificar.

Cuando escribo, siempre imagino a una persona detrás de mi, redactando mis palabras; esta persona controla mi escritura, así que pienso que todo mi trabajo viene de esta conciencia. Siempre hay una persona muy abstracta en mi cabeza. Yo lucho conmigo misma y los personajes en mis trabajos”.

Su estilo nace del inconsciente, es irracional. “Cuando era joven creía que si querías cambiar el mundo tu deberías, primero, cambiar tu alma”, quizás, por ello, deja que el alma se exprese y en su expresión cruda muestre toda su belleza.

Can Xue, explica “Mis obras son como plantas, mis ideas crecen en el Oeste pero las desentierro para replantarlas en el profundo suelo chino, nutrido de una sustanciosa historia de 5.000 años. Mis obras no son ni como las del Oeste ni como las chinas, engendro mi propia creación. La cultura china está en mi corazón, yo nací aquí, vivo aquí y no necesito aprender lo que me sale del corazón”.

Can Xue, ha traducido al chino a Kafka y a Borges, ambos pertenecientes al realismo mágico, y se siente atraída por esa línea literaria. De Franz Kafka le gusta especialmente El castillo, considera La Metamorfosis una obra inmadura; cree que las obras de Kafka son una “literatura del alma”. Can Xue también se inspira en Borges y en el Dante de La Divina Comedia. Pero sobre todo le gusta la literatura clásica, El Quijote de Cervantes; Las Olas de Virginia Wolf,... . El postmodernismo no le interesa, considera que su obra pertenece al modernismo pero “las ideas modernistas realmente empiezan en la antiguedad, en los trabajos de Dante; también leo la Biblia como literatura”. Can Xue cree que la oscuridad se engendra en la luz “Cada ser humano es un pecador. Todos tenemos en potencia la bondad y la maldad, la oscuridad y la luz, pero la belleza está ahí para trastocarlo todo.

En su obra suele aparecer la locura, la amnesia, la deformidad, la zonas más debiles y oscuras del ser humano y sus circunstancias. En su novela más importante Huangni jie, (La calle del barro amarillo), publicada en inglés en 1987, las escenas se desarrollan en un callejón, repleto de gente, en una zona de fábricas, rodeada de porquería, de enfermedades, donde los animales enloquecen y atacan a las personas, las ratas atacan a los gatos, los personajes no paran de relatar pesadillas, los niños y las frutas se pudren de golpe, las orejas se desprenden y caen al suelo, todo se deshace, se deforma. La desesperación y la locura llevada de la mano del surrealismo. “Fue mi primera obra, no es muy madura”, afirma. Otras obras traducidas al inglés son Diálogos en el ParaísoTiantangli de duihua (1989); Vieja nube flotante (Chángalo de fuyun) (1991) y Los zapatos bordados (Xiuhua xie) (1997).

La literatura de Can Xue se sale de los esquema, crea sus mundos, mundos oníricos vistos con cotidianeidad, extraños personajes tratados con normalidad, un mundo o la visión de un mundo ciertamente personal, mágica y fantástica; como un cuento de hadas pero desde el submundo; quizás, como esos cuadros de El Bosco, esa literatura oscura pero profundamente humana y cargada de plasticidad; quizás, vista con unos ojos múltiples, de insecto, que no muestran extrañeza ante nada; y que con frases breves, lineales, va expresando sin conexión, una belleza oculta, Can Xue se mueve por esos mundos como la Beatriz de Dante.

 

Creo que no está traducida al español, pero aquí podéis leer una pequeña muestra de su estilo en inglés, realmente interesante:

http://www.webdelsol.com/LITARTS/Can_Xue/can1.htm

Alexander Scriabin (1872-1915)

Alexander Scriabin (1872-1915)

Alexander Scriabin - Александр Николаевич Скрябин, nació un 25 de diciembre de 1872 en Moscú, compositor y pianista. Y, algo especial, como ahora vereís. Se dijo de él que era el padre de la música del futuro, y el futuro, aún no ha llegado. Rompió todas las reglas y su música habla, explota, roza, no es melódica es más bien visceral, si el alma tuviera vísceras.

 

Alexander murió en 1915, su último proyecto era una obra multimedia sobre el Armagedón, un término que aparece en la Biblia y hace referencia al "fin del mundo" mediante catástrofes en varias religiones y culturas; Scriabin con su obra quería sintetizar todas las artes y las religiones anunciando el nacimiento de un nuevo mundo, y se presentaría en las faldas del Himalaya, duraría siete días, se llamaría Mysterium, conformaría olores, luces, sonidos,... y terminaría en un extasis colectivo, pero Alexander murió y la obra no sólo no se presentó, si no que quedó inacabada. La obra contenía un coro dodecafónico construido de forma que no daba la posibilidad a la progresión armónica y carecía de movimiento; una música en un plano libre, sin tiempo, infinita, una visión de la inmortalidad, eso fue a principios del siglo pasado... .
Scriabin dijo: La respiración del amor es lo más parecido a Dios y es ahí donde habita el aspecto más íntimo del universo”.

Stravinski dijo de Scriabin que era un “enfisema musical”.

 

Aquí podeís escucharle tocando una de sus obras:

http://es.youtube.com/watch?v=VK2uTtuI84w&mode=related&search=


Horowitz, uno de los pocos que se atreve a interpretarlo dice “Es especial… me preparo para grandes sonidos… si no llego al colapso todo va bien..”, se quita la chaqueta y ahí va….

http://es.youtube.com/watch?v=5_FKKIC1oSw&mode=related&search=


Studio nº8

http://es.youtube.com/watch?v=xeUfy4D_iXs


Y, aquí, un Nocturno compuesto, sólo, para la mano izquierda:

http://es.youtube.com/watch?v=ywb0cs1LK5Y

Y, con más mano izquierda:

http://es.youtube.com/watch?v=Em8bHlTDlrE&mode=related&search=

Art Davis (1934-2007)

Art Davis (1934-2007)

Aquí está, lo estoy escuchando, ahora, en Olé Coltrane, está tocando ese contrabajo que da pasó a la esencia española captada por John Coltrane… es Art Davis, el mismo al que asistieron, éste 11 de agosto, a su funeral, tantos que lo admiraban, fue en la iglesia de Rocky Peak en Chatsworth. Parece que a la generación de los grandes, con el corazón encogido, hay que decirles "Hasta luego".  Art no sólo era un, apreciado por todos los grandes, contrabajista de jazz, también, fue doctor en Psicología, ejerciendo como terapeuta; escritor y defensor de los Derechos Humanos y luchó de firme contra la discriminación racial, a pesar de las listas y las persecuciones.

Comenzó su carrera musical en los 50 con Clifford Brown, Dizzy Gillespie, Quincy Jones, Clark Terry, Art Blakey, Gigi Gryce, Roland Kirk, Oliver Nelson, Coleman Hawkins, Freddie Hubbard, Zoot Sims, McCoy Tyner, Lalo Schifrin, Eric Dolphy, Abbey Lincoln, Wayne Shorter, en fin, con todos ellos. Su arco y su pizzicato eran impecables, siempre estaba innovando, descubrió la técnica de “múltiples dedos” para la mano derecha e, incluso, publicó un libro sobre su sistema. Se atrevió a utilizar las técnicas del violonchelo en el contrabajo y funcionó, y funciona.

Art Davis nació un 5 de diciembre de 1934, en Harrisburg (Pennsylvania). Comenzó sus estudios con el piano, luego compaginó éste con la tuba y el bajo. Estudió con los celistas más prestigiosos los de la Filarmónica de Nueva York. Debutó en 1958 en su primera grabación junto a Max Roach…, con George Coleman y Broker Little en el Festival de Newport.

John Coltrane escuchó sus grabaciones y le invitó a trabajar con él; trabajaron juntos largo tiempo, hasta la muerte de John en 1967. Podeís oírlos juntos en Africa Brass y en AscensiónArt también tocó, y grabó Rock and graves, con Bob Dylan, actuó con Barbara Streisand, pues, actuó en los más famosos shows musicales del momento. En 1961 se convirtió en el primer afro-americano miembro de NBC Staff Orchestra. A lo largo de su vida grabó numerosos albumes, con figuras como Dizzy Gillespie, Max Roach, Lee Morgan, Quincy Jones, Eric Dolphy, Art Blakey,... . El Jazz, la música clásica, la psicología, la educación, la lucha contra las injusticias,... un espíritu vivo y con sólo 73 años, el 29 de julio, se fue, muy joven... Art Davis sabía volar... pero su corazón falló.

Hay que verlos juntos: Max Roach y Art Davis en 1958:

http://es.youtube.com/watch?v=blHXOPccRTU

 

Con Mc Coy Tynner en “A Love Supreme” con Elvin Jones:

http://es.youtube.com/watch?v=U4DwkWEcN3c

Discografía:

http://www.jazzdiscography.com/Artists/Davis/ad-disc.htm